Ideas que cambian nuestro mundo

Gracias a ellos la vida puede ser más bella y más sencilla. Algunos no son muy conocidos popularmente, pero es posible que hayamos contemplado y admirado sus creaciones más de una vez. Sus nombres y apellidos dan lugar a marcas comerciales de vanguardia, sus ideas mueven nuestro mundo.

Hablamos de personalidades semejantes a los grandes intelectuales del Renacimiento, humanistas que conjugan a la perfección el buen quehacer de un ingeniero con las intuiciones más libres y fecundas de los grandes artistas. Diseñan y recrean desde fascinantes obras arquitectónicas hasta objetos cotidianos. La imaginación no encuentra límites. Los inventos de estos veinte diseñadores industriales marcan estilo y tendencia en los últimos años. Sus creaciones están presentes tanto en la decoración interior de los despachos de poderosos gobiernos como en las cocinas de nuestros departamentos. No podríamos entender la vida actual sin las propuestas que llevan a cabo incesantemente estas veinte personalidades que aquí se presentan, las máximas figuras internacionales del diseño industrial. Prototipos fascinantes en el campo del motor y la navegación, la arquitectura, el mobiliario, los relojes, la tecnología, las lámparas, las sillas... Incomparables e innovadores, acuñan cada proyecto bajo un estilo original e inimitable. El futuro está en sus mentes, el presente evoluciona gracias a sus ideas. 

 

Philippe STARCK
“El libre juego de la creatividad infinita”
(París, 1940)

 

Premios y reconocimientos:

Condecorado en su Francia natal como Comandante de la Orden de las Artes y las Letras (1998) y Caballero de la Orden Nacional de la Legión de Honor (2000), Philippe Starck suma decenas de premios y reconocimientos internacionales durante las últimas décadas. Destacan algunos como el Gran Premio Nacional de la Creación Industrial (París, 1988), Interior Architecture Award (Washington, 1999), Good Desing Awards (Japón, 1995), Gold ADEX (Santa Mónica, 2000), Compasso d’Oro (Italia, 2001), Monaco Show Boats (2003). Sus obras se pueden admirar en el Brooklyn Museum de Nueva York, el Museo de Diseño de Londres y en el Museo de Artes Decorativas de París. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en Roma, Kyoto, Los Ángeles, Marsella, Múnich y numerosas ciudades.

 

Interiores del hotel Mama Shelter Istanbul.
Interiores del hotel Mama Shelter Istanbul.

 

Probablemente, el diseñador más reconocido en la actualidad, considerado por muchos un excéntrico genial. Nada se le resiste a Philippe Starck. Su marca se extiende por casi todo lo humano y divino: cepillos de dientes, exprimidores de jugo, motocicletas, aparatos sanitarios, diseño de interiores que llegan al palacio presidencial del Elíseo en Francia. Arquitecto, diseñador, inventor, director artístico...  Su padre fue ingeniero aeronáutico. Siendo un niño, Starck ya mostró cualidades excepcionales en la Escuela Nissim de Camondo de París. Su primer éxito fue el diseño de una “casa hinchable” en el Salón L’Enfance en 1969. Su apellido ya es marca registrada, y tiene en su haber tiene los hoteles y restaurantes más exquisitos del mundo. Sorprendió con los muebles de metacrilato y se entregó al diseño de electrodomésticos, lámparas, vehículos… Una ilimitada inspiración que no cesa de imprimir su huella en los objetos que observa. 

 

En arquitectura es un auténtico visionario, Starck es uno de los creadores del concepto “hotel boutique”. Actualmente da los últimos retoques al grandioso Hotel Royal Monceau en París. La influencia de su marca queda patente en el uso del color, la combinación de materiales y la distribución del espacio. En 1999, el diseñador francés se unió a John Hitchcox para fundar yoo. Su objetivo era generar espacios de vida verdaderamente extraordinarios. La marca yoo cuenta con más de veinte proyectos en todo el mundo. Los edificios se ubican en los cinco continentes. Su último proyecto arquitectónico, el fascinante edificio Le Nuage en Montpellier, previsto para el 2014, un conjunto arquitectónico con evocaciones del sueño surrealista de la “casa de cristal” de Bretón. Da rienda suelta a su creatividad en los más diversos campos del diseño industrial: lámparas, sillas, muebles, cocinas, mesas, edificaciones, barcos... En el 2005 llegó a idear un vehículo de hidrógeno.

 

Zaha HADID

Arquitectura visionaria y sofisticación urbana
(Bagdad, 1950)

 

 

Salvaje, revolucionaria, cautivadora. La primera mujer en ganar el Premio Pritzker de Arquitectura (2004), precedido del premio de Arquitectura Contemporánea Mies Van der Rohe (2003). Se graduó en matemáticas por la Universidad Americana de Beirut antes de cursar estudios en la Architectural Association de Londres. Creadora de una estación de bomberos de hormigón en Alemania en 1993. Su primer edificio de América fue el Centro Rosenthal de Arte Contemporáneo de Cincinnati, construido en el año 2003. Su estudio de se encuentra en Londres. Un equipo de trabajo de 400 personas que llevan a cabo 950 proyectos en más de 50 países. Actualmente también colabora con el Museo Nacional del Siglo XXI de Arte en Roma.

De origen iraquí Zaha Hadid, es una señora que goza de un prestigio incuestionable. Incontables premios en los últimos cinco años. Reconocida con la Orden del Imperio Británico en el 2012; Mejor Diseño Interior Beauty/Spa/Fitness del año en el Reino Unido por la edificación del complejo de piscinas para los pasados Juegos Olímpicos de Londres. Sus creaciones y aportaciones innovadoras en mobiliario, esculturas, pinturas y otros objetos decorativos van estrechamente ligadas a su concepción de la arquitectura. La exploración más arriesgada a lo largo y ancho de los límites espaciales y las formas.

Su equipo de trabajo consta de 400 personas que trabajan en 950 proyectos en más de 50 países
Su equipo de trabajo consta de 400 personas que trabajan en 950 proyectos en más de 50 países

 

El edificio de la ópera de Guanzou (China) ha sido premiado como mejor proyecto público por la revista americana Architectural Record. El último proyecto arquitectónico de Zaha Hadid es la Central de Metro del distrito financiero Rey Abdullah en Riyad, la capital de Arabia Saudí. Hadid ha ganado recientemente el 41º Veuve Clicquot Business Woman Award, el famoso champán francés. Un premio creado en 1972 en honor a Madame Clicquot que fomenta el reconocimiento de mujeres con el espíritu de emprendimiento, coraje y determinación para llevar adelante sus proyectos.

 

Zaha Hadid: en los últimos cinco años acumula incontables premios.
Zaha Hadid: en los últimos cinco años acumula incontables premios.

 

Alessandro MENDINI

“Fecunda y enérgica inteligencia”
(Milán, 1931)

 

 

Premiaciones o reconocimientos:

Alessandro Mendini es miembro honorario de la Academia Bezalel de Arte y Diseño de Jerusalén. Ha recibido en dos ocasiones el prestigioso Compasso d’Oro del diseño (1979 y 1981). En Francia fue nombrado Caballero de las Artes y las Letras. Ha recibido el reconocimiento de la Architectural League de Nueva York y un doctorado honoris causa de la École Normale Supérieure de Cachan (Francia) y otro de la Universidad Politécnica de Milán, donde ha ejercido como profesor. Mendini es asimismo profesor honorario en el Consejo Académico de la Academia de Bellas Artes de Guangzhou en China. Ha sido editor en jefe de las revistas Casabella, Modo y Domus. El veterano diseñador italiano es también consultor de arte para diversas empresas en Europa y Oriente. Es todo un clásico de la modernidad que goza del reconocimiento, el respeto y el aplauso.

Alessandro Mendini y su creación Mendini II Tempo donde combina la artesanía tradicional y la innovación
Alessandro Mendini y su creación Mendini II Tempo donde combina la artesanía tradicional y la innovación

 

Profesor, pintor, editor, escritor... Formado en la universidad pública del Politécnico de Milán, es un arquitecto de mente privilegiada que a sus más de ochenta años sigue en plena forma. La última invención dedicada a su nieto: una lámpara sin cables que admite cualquier posición y no se calienta, marca Ramun, ocurrencia del dios egipcio del sol Amon-Ra, representado tradicionalmente como un ojo. Incansable este cerebro maestro. Alessandro Mendini trabaja junto a su hermano Francesco bajo la marca general Atelier, con la que diseñan hoteles en todo el mundo. Ha ideado proyectos y distintos objetos para grandes firmas internacionales: Cartier, Philips, Hermès, Alessi, Swatch o Bisazza. Junto a su hermano Francesco, bajo el sello Atelier Mendini, realizan obras arquitectónicas en todo el mundo. Ha creado mobiliario, interiores, pinturas, cerámica colorista, diseño de relojes.

 

En la década de los años setenta fue una de las principales figuras de la corriente italiana Radical Desing. Su estilo inconfundible se nutre paradójicamente de diversas referencias culturales y formas de expesión que combina exitosamente, a veces con un estilo barroco y recargado. Entre sus edificios más emblemáticos, el Teatrino della Bicchieraia en la ciudad tocana de Arezzo, el Museo del Foro en Omegna, Italia, la torre conmemorativa del funesto desastre de la bomba atómica en Hiroshima en Japón, el Museo Groningen en Holanda o el Casino Arosa en Suiza. Sus obras están incluidas en las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) y el Museo Metropolitano, así como en el Centro Georges Pompidou de París. Por otro lado, participa activamente y de manera entusiasta como jurado de certámenes de diseñadores jóvenes, por ejemplo, la competición BBEW en Corea del Sur o el Braun Prize.

 

Paolo PININFARINA

El sello inconfundible de una saga familiar
(Turín, 1958)

 

Paolo Pininfarina cursó estudios de ingeniería mecánica en el Politécnico de Turín, su ciudad natal, para unirse posteriormente en los años ochenta a la empresa familiar liderada por su padre.  Experiencia, tradición e innovación: Paolo dejó su huella en Cadillac y Honda, más tarde fue director ingeniero en General Motors, desarrollando prototipos como la Chevrolet Lumina APV, Oldsmobile Silhouette y Pontiac Trans Sport. Su huella se encuentra en Ferrari, Maserati, Volvo, Alfa Romeo, Ford, Mitsubishi y prototipos exclusivos únicos.

Paolo Pininfarina perfiló las líneas del Ferrari Testarossa y del Cappela Getilezza
Paolo Pininfarina perfiló las líneas del Ferrari Testarossa y del Cappela Getilezza

 

Paolo Pininfarina es el actual responsable de la firma, apellido modificado deliberadamente en 1961 por su padre. El sello inequívoco del motor, la pasión de los vehículos de una saga que comenzó con el abuelo Giovanni Battista “Pinin” Farina. El hijo de este, Sergio Pininfarina, perfiló las líneas inconfundibles del mítico Ferrari Testarossa. Una familia que sufrió un revés en 2008 con el accidente mortal de moto de Andrea, hermano de Paolo. Como su abuelo y su padre, Andrea recibió la más alta condecoración de la República italiana. Además, es Caballero de la Legión de Honor francesa. Actualmente, Paolo se encuentra al frente de este emporio del diseño que gira en torno a los vehículos de motor.

Colaboración especial para elaborar la edición especial de Chivas Regal en su 18 aniversario
Colaboración especial para elaborar la edición especial de Chivas Regal en su 18 aniversario

 

La tradición familiar no se estanca y persigue el refinamiento del diseño sin cesar. Su actividad se ha diversificado. Pininfarina desarrolla cerca de 500 proyectos de diseño que no tienen que ver con el sector automotriz, diseñadores globales ya consolidados. Pero Pininfarina es una marca cuyo sello se encuentra en muy distintos campos. Paolo dio el salto en la saga familiar y fue director pionero en Pininfarina Extra (1987), diseño que abarca otros campos como el mobiliario, los yates, el interiorismo y la arquitectura: las computadoras de Packard Bell, el diseño de telefonía, el estadio de futbol de la Juventus de Turín o la primera experiencia en la arquitectura religiosa llevada a cabo en 2010: la capilla Gentiliza, una escultura de metal en plena naturaleza. Paolo Pininfarina fue miembro del consejo de dirección Instituto Europeo di Design (1996-2004) y participó como fundador en la Associazione per il Disegno Industriale de Milán.

 

Andrée PUTMAN

“Glamour, la esencia de París”
(París, 1925-2013)

 

Sirva como merecido homenaje y tributo. La gran dama del diseño, femenina y elegante, falleció el 19 de enero de este año. Glamour, très chic. Llegó a la carrera del diseño con 53 años, pero su estilo en moda goza de un prestigio inigualable. Algunos la catalogan como el estilo francés en su máxima expresión, la esencia de París. Su primer trabajo fue como periodista. Conoció a Juliette Greco, Giacometti y Simone de Beauvoir, intelectuales de alta consideración. Su vida siempre estuvo ligada a la capital francesa, en el ambiente de una familia culta y rica. Por influencia de su madre pianista, estudió composición musical en el Conservatorio Nacional de París. A los diecinueve años recibió el Primer Premio de Composición. Se entregó al periodismo en revistas como Elle antes de entrar en diseño. 

 

Las propuestas de Andrée Putman se colarían más tarde en los despachos de los ministros y presidentes de Francia. La decoración de interiores, sus objetos y su mobiliario destacan por el refinamiento y la búsqueda de la perfección. Su sello indeleble se encuentra en los hoteles más lujosos de metrópolis como Nueva York y Hong Kong. Sorprendió con su estilo minimalista en el hotel Morgans de la ciudad neoyorkina. Incluso imprimió su huella en los interiores del avión supersónico Concorde, icono francés que dejó de volar en el año 2002. Ochid Club House en Japón, La Bastide en Los Ángeles, Louis Vuitton en París, exposiciones en Shangai, el Guggenheim de Nueva York, el Stand Bisazza en Milán... Restaurantes, spas, residencias acabaron por adoptar su estilo simple, elegante y glamuroso.

El Hotel Morgans de la ciudad de Nueva York representa el estilo de la marca Putman
El Hotel Morgans de la ciudad de Nueva York representa el estilo de la marca Putman

 

Desde 1971 hasta 1976 desempeñó el cargo de directora artística en “Creadores e Industrirales”, plataforma impulsora de estilistas como Jean-Paul Gaultier, Emmanuelle Khahn, Issey Miyake o Thierry Mugler. Fundó Ecart en 1987, una firma que aspiró a poner de moda los muebles con estilo déco de la primera mitad del siglo pasado. Así dio origen a la marca que bautizó con su apellido, Putman, estilo austero y atrevido. De aquí nacieron las ideas para las lujosas boutiques de las primeras marcas más importantes en todo el mundo: Balenciaga, Yves Saint Laurent, Karl Lagerfeld, Louis Vuitton, Anne Fotaine y Guerlain, así como las tiendas Connoly, Alaïa y Bon Marché.

Karim RASHID 

“Las virtudes prolíficas del eclecticismo”
(El Carito, 1960)

 

 

Premios y reconocimientos: 

Entre las últimas últimas menciones recibidas, el Red Dot Award 2013 (BoConcept Ottawa Collection), iF Packaging Design Award 2013 (AnestasiA Vodka), Desginer Magazine: Simon Taylor Award for Lifetime Achievement (2012), Interior Design Best of Year Award Honoree (2012) Axo Nafir Pendant. Karim Rashid repite acaparar incluso el mismo reconocimiento año tras año, como el Red Dot  Athenaeum premio Good Design Chicago, o el ID Revista Annual Design Review, premio Excelencia en Diseño Industrial IDSA.

 

Nació en El Cairo (mezcla inglesa y egipcia), pero creció en Canadá y actualmente reside en Nueva York. Carácter cosmopolita de energía insuperable. “El poeta de plástico”, así lo llamaba a comienzos de este siglo la revista Time, lo consideraba “el más famoso diseñador industrial de todas las Américas”. Más de tres mil diseños, más de trescientos premios y presente en más de cuarenta países. Karim es ya toda una leyenda. Doctor honoris causa por OCAD, el Colegio de Arte y Diseño de Washington. Rashid fue profesor asociado de diseño industrial durante diez años en la Universidad de Arte de Philadelphia. Combina su labor profesional con una activa agenda de conferencias por centros de estudios e investigación a lo largo y ancho del mundo.

 

Rashid es uno de los diseñadores más fecundos y prolíficos de su generación. Solicitado por grandes firmas de diversos sectores industriales más dispares, como Kenzo, Swarovski, Citibank. Productos tecnológicos para Samsun, diseño de marcas para Citibank, envases para Kenzo, Hugo Boss, artículos de lujo para Veuve Clicquot, muebles de Bonaldo y Vondom. El eclecticismo de sus juegos extravagantes recuerdan cierto onirismo: sensualidad, geometrías inverosímiles y colores vivos. El montaje de exposiciones para Audi y Deutsche Bank, la popular estación de Metro de Nápoles, Università Metro Art Station, el Hotel Semiramis de Atenas, el restaurante Morimoto de Philadelphia. Sus trabajos se encuentran en las colecciones permanentes de museos de todo el mundo, como el MoMA de Nueva York, el Museo de Arte Moderno de San Francisco o el Centro Pompidou de París.

Konstantin  GRCIC

“El pragmatismo más seductor”
(Múnich, 1965)

 

 

Premios y reconocimientos:

Muchos de sus prototipos han recibido premios prestigiosos. En octubre de 2000 Konstantin Grcic es nominado Invitado de Honor en la Bienal Interieur en Kortrijk / Bélgica, donde presentó una amplia muestra de su obra. Obtuvo el preciado Compasso D’Oro en 2001 y algunas de sus creaciones también se encuentran en el MoMa de Nueva York.

 

Reflexivo y analítico, este diseñador alemán combina en sus procesos creativos el rigor y la austeridad. Tal vez sea una característica de su formación inicial como ebanista en el Parnham College (Inglaterra), una visión de la creatividad estrechamente ligada a la utilidad de los objetos. Más tarde estudió diseño en el Royal College of Art de Londres, obteniendo la maestría en 1990. De vuelta a su ciudad natal un año más tarde, el diseñador alemán funda su taller propio, el Konstantin Grcic Industrial Design (KGID).

Su carrera ascendente le abrió las puertas de las empresas de diseño más destacadas en Europa, para quienes ha diseñado la iluminación: Agape Authentics, ClassiCon, Driade, Flos Iittala, Krups Lamy, Magis, Moormann, Moroso, Muji, Jacuzzi. Su máxima es la búsqueda de la perfección, un estilo que se pone de manifiesto en formas minimalistas que reducen la plasticidad a la utilidad máxima. Limpieza y sencillez que prescinden del ornamento superfluo.

Mesas, sillas, tazas, cubos de basura, entre otros objetos. Diseñó el popular envase de la botella de vodka Absolut. Y se atreve con el diseño de joyas. La estética de Grcic es sumamente vanguardista, con trazos sugestivos y atractivos. Son piezas muy originales que a veces ofrecen un toque de humor incluso irónico. En la creación de mobiliario, es un verdadero especialista en el diseño de sillas. Konstantin Grcic crea productos industriales catalogados como simples, minimalistas, reducidos a su mínima expresión.

Marc NEWSON

“El diseño fecundado por el arte”
(Sídney, 1963)

 

Premios y reconocimientos:

2012 – Premio Konex de Brillante a la Figura más Relevante de la Década en las Artes Visuales, Argentina.
2006 – Premio a la Vida y Obra, otorgado por el Premio Obras Cemex. 2004 – Mr. The Aga Khan Award for Architecture. 1995 – Medalla de Oro, The American Institute of Architects (AIA).

El diván de aluminio Lockheed Lounge (1988) de este triunfador australiano se convirtió en el mueble de diseño que ostenta el récord mundial por su venta: un coleccionista privado lo adquirió por dos millones de dólares en 2009. Su cotización se disparó. Otras ediciones limitadas de sus productos se han subastado en torno a los 130,000 dólares, a la altura de las obras de arte de los pintores vanguardistas del siglo XX. La revista Time lo incluyó en la lista de los 100 personajes más influyentes en el año 2005.

 

Newson se graduó en el Sydney College of Arts en 1984, donde cursó estudios de joyería y escultura. Tras alguna exposición en Australia, en 1987 se traslada a Tokyo, donde vivió hasta 1991, cuando finalmente se marchó a París para montar su estudio creativo.

Una breve temporada en Londres y vuelve a su ciudad natal. Cosmopolita y polifacético. Muebles, joyas, yates, diseño de ropa, etc. Sus obras que se exhiben en los museos más prestigiosos del mundo, el MoMA de Nueva York, el Georges Pompidou de París y el museo alemán Vitra Design de Weil am Rhein, cerca de Basilea.

Marc Newson: sus productos se han subastado hasta en 130,000 dólares
Marc Newson: sus productos se han subastado hasta en 130,000 dólares

 

El magazine Taschen publicó una edición limitada de 1,000 volúmenes autografiados por Marc Newson bajo el título Works, cada ejemplar valorado en cerca de 1,000 dólares. Ha diseñado joyas para Boucheron, maletas para Samsonite, aviones para Qantas Airways, la bicicleta del estadounidense Lance Amstrong, flamante ganador del Tour de Francia, ahora defenestrado por dopaje, cocinas para Smeg, vajillas para Alessi y cacerolas para Tefal. Es el director creativo de Qantas y cofundador y propietario de la compañía de relojes Ikepod. Entre sus honoríficas menciones, fue nombrado Diseñador Real para la Industria en el Reino Unido y más recientemente recibió la Orden del Imperio Británico (CBE) por la reina Isabel II. Es doctor honoris causa de la Universidad Politécnica de Hong Kong y de la Universidad de Sídney, donde ejerce como profesor adjunto de diseño en el Sydney College of Art. 

Alberto MEDA

“Las formas inspiradoras de la naturaleza"
(Tremezzina, 1945)

 

Ingenioso e inventivo, durante el Moleskine (encuentro de la famosa marca de cuaderno de notas) se invitó a diseñadores, artistas y músicos a emplear la pequeña libreta para reflejar sus inspiraciones, creaciones, sueños, dibujos, ideas. El proyecto fue llamado Moleskine City. Uno de los participantes fue Alberto Meda. Algunas de las creaciones de Meda se exhiben en la colección permanente del MoMA de Nueva York o el Museo de Arte Moderno de Toyama en Japón. Como diseñador, suma un extenso currículum en innumerables compañías internacionales de primer orden: Alfa Romeo, Olivetti, Gaggia, Philips, Legrand, Vitra, Alessi, JcDecaux, Luceplan, Legrand, Mandarina Duck, Omron Japan. Más de dos décadas recibiendo premios, como el Hon Royal Designer for Industry en Londres (2005).

 

Otra personalidad distinguida, un diseñador italiano de la escuela de Milán, donde vive y trabaja. Obtuvo la maestría en ingeniería en la Universidad Politécnica de Milán en 1969. En 1999 fue elegido diseñador del año en el Salón del Mueble de París. Hablamos de un experto veterano que sigue en plena forma. Su apellido va indisolublemente ligado a la silla Meda, una combinación perfecta de comodidad, tecnología y refinada belleza. Ha llevado a cabo diversos seminarios y conferencias en universidades de todo el mundo: Chicago, Washington, Estocolmo, San Pablo, Ulm, Estambul, México, entre otras. Desde el año 2003 es profesor de la IUAV de Venecia, donde lleva a cabo interesantes talleres de diseño.

La energía solar, tiempo y estaciones, así como el calor y el frío, elementos fundamentales en su trabajo
La energía solar, tiempo y estaciones, así como el calor y el frío, elementos fundamentales en su trabajo

 

La energía solar, el tiempo y las estaciones, así como el calor y el frío son elementos fundamentales en su trabajo. Así dio frutos el diseño del Bote Solar, premiado en Copenhague. Se trata de un envase que, gracias a la energía del sol, potabiliza el agua no apta para el consumo en su interior. Su concepción del diseño guarda siempre una relación de respeto con la naturaleza. El medioambiente forma parte de las preocupaciones de este ingeniero italiano. Meda asegura que la tecnología es solo un medio, no un fin en sí misma. Observar la naturaleza y reproducir la simplificación de las formas orgánicas: el ahorro de energía, la eliminación de residuos y la luminosidad son algunas de las claves técnicas que inspiran su estilo.

 

Ron ARAD

“Arquitecto con alma de escultor”
(Tel Aviv, 1955)

 

La silla de Tom VAC para Vitra y la biblioteca gusano para Kartell son algunos de sus trabajos de diseño más destacados. Muchos de sus productos están en las colecciones del Museo de Arte Metropolitano de Nueva York, el Centro Georges Pompidou en París, el Victoria & Albert Museum de Londres y el Vitra Design. En Israel, es responsable del Museo Bauhaus de Tel Aviv (2008) y del Museo del Diseño Holon (2010), primer centro de exhibición de estas características en su país natal.

 

Arad es un arquitecto y diseñador industrial cuyas creaciones provocan un impacto visual a veces sorprendente. La recreación de volúmenes escultóricos, la solidez de su concepción arquitectónica, ha dado forma a museos, hoteles y restaurantes de todo el mundo. Un creador vanguardista con una visión futurista que lleva cada edificio a una dimensión artística singular, explotando al máximo las posibilidades funcionales. Formado en la Academia de Arte de Jerusalén, a principios de los años 70 cursó estudios de arquitectura en Londres posteriormente. Ha trabajado para diversas compañías, como Alessi, Vitra, Flos, Kartell y Artemide.

Ron Arad: diseñador industrial cuyas creaciones provocan un impacto visual sorprendente
Ron Arad: diseñador industrial cuyas creaciones provocan un impacto visual sorprendente

 

En 1994 montó el Ron Arad Studio, un taller de diseño y producción en Como (Italia). Su estudio de Londres ha producido cada vez más piezas individuales de chapa de acero, y siempre explota maliciosamente sus posibilidades formales y funcionales al máximo. Tras su paso como profesor invitado en la Hochschule de Viena, entre1994 a 1997, Ron Arad es actualmente profesor de diseño industrial y de mobiliario en el RCA de Londres. Su obra ha sido reseñada en libros y revistas de arquitectura y diseño de todo el mundo. Ha expuesto en numerosos museos y en las galerías más importantes. Su obra se encuentra en las colecciones públicas del centro Georges Pompidou de París, el MoMA de Nueva York, el Museo Victoria & Albert de Londres o el Vitra.

 

Antonio CITTERIO

“La elegancia de la sencillez”
(Meda, 1950)

 

 

 

Algunos de sus proyectos de arquitectura más recientes: la reforma del antiguo edificio municipal de Clusone, en Piazza dell’Orologio, proyecto de la sede y de la guardería infantil de la multinacional farmacéutica GlaxoSmithKline (Verona), proyectos de dos residencias unifamiliares, en Villasimius (Cerdeña) y en Basilea (Suiza), proyecto Bvlgari Resort en Bali, sala de exposición Aspesi de Via Montenapoleone. Entre los numerosos premios que ha ganado, destaca el prestigioso Compasso d’Oro en dos ocasiones (1987 y 1995). Algunas de sus creaciones forman parte de la colección permanente del MoMA y el Georges Pompidou de París. En la actualidad, Antonio Citterio abarca distintas disciplinas en un estudio codirigido junto a Patricia Viel, formando un equipo que trabaja el campo de Diseño Arquitectónico, Diseño de Interiores y Diseño de Producto.

 

Otro destacable arquitecto italiano que reside y trabaja en Milán tras pasar por las aulas y graduarse en el Politécnico de la ciudad mundial del diseño. Maneja el mismo concepto de espacio tanto para el diseño de viviendas como para la creación de sus muebles. Elegante y funcional, su estilo sobrio presenta una economía de formas que enmarcan sus trabajos en la línea más clásica de la modernidad, sin estridencias. La comodidad y la belleza son dos valores destacables en su producción. Sus diseños parecen eternizarse más allá del tiempo, al margen de modas y del diseño más rupturista o llamativo.

Antonio Citterio: comodidad y la belleza son dos valores destacables en su producción
Antonio Citterio: comodidad y la belleza son dos valores destacables en su producción

 

Citterio ha diseñado los hoteles Bvlgari, las tiendas de Cerruti, Ungaro, Valentino y una larga lista de oficinas. Ha trabajado para muchos fabricantes líderes, como Ansorg, B & B Italia, Flexform, Flos, Hackman, Iittala, Hansgrohe, Inda, Vitra. La marca B & B es una creación completa de Antonio Citterio, con la que lleva trabajando cerca de cuarenta años. Es otro arquitecto que participa en conferencias y ponencias por todo el mundo. Destaca el singular uso de nombres de personas para los muebles que crea. Citterio ha declarado públicamente que suelen ser nombres de arquitectos que admira: George  (por George Nelson), Charles (por Charles Eames), el número uno. Un pequeño homenaje que rinde a sus maestros.

Jonathan IVE

El sabroso bocado a la manzana
Londres, 1967)

 

Para sus creaciones combina lo que él describe como “la atención extrema más allá de las cosas obvias”. Experimentos incesantes con nuevas herramientas, materiales y procesos de producción, siempre en la búsqueda de los productos más innovadores. En 2007 recibió el National Design Award (Estados Unidos) en la categoría de diseño por la creación del iPhone. Los productos de Apple se ofrecen en las colecciones permanentes de museos de todo el mundo, incluyendo el MoMA de Nueva York y el Pompidou de París. La limpieza del acero pulido, el color blanco, el cristal pulido. Cuenta con un equipo de trabajo por el que siente respeto, y que le devuelve la confianza al gran jefe con veneración. 

 

En esta lista top, Apple aparecería más tarde o temprano. Jonathan Ive es el vicepresidente del área de diseño industrial de la compañía de ‘la manzana’, reportando directamente al CEO Tim Cook. Desde 1996, Ive ha sido el responsable de las formas que presentan productos de alta gama, como los iPhone, iPod, iMac y MacBook. Estilo simple, la más famosa marca de tecnología a nivel mundial es un elogio a la sencillez y a la intuición. Conocido familiarmente como Jony, de origen británico, lidera y dirige el software Human Interface (HI) de la compañía; es decir, a su concepción también obedece el diseño de las interfaces de las aplicaciones.

 

La revista Time lo incluye entre las personalidades más influyentes del presente año. Jonathan Ive cuenta con una licenciatura en Artes y un doctorado en el Politécnico de Newcastle. Cuenta con numerosos reconocimientos. Fue nombrado Diseñador del Año en 2003 por el Design Museum de Londres y recibió el título de Diseñador Real para la Industria de la Royal Society of Arts. En 1989 se convierte en socio de Tangerine, una consultora de diseño con sede en Londres, donde trabaja en una amplia gama de productos de herramientas eléctricas para lavabos. Sería en 1992 cuando se traslada a San Francisco para unirse al equipo de diseño de Apple.

Humberto & Fernando CAMPANA

La apuesta revolucionaria por la imperfección
(Río Claro, 1953) / (Brotas, 1961)

 

La apuesta revolucionaria por la imperfección. Materiales naturales y muy económicos, a veces simples desperdicios o restos que dan rienda suelta a la imaginación. La muestra más evidente de su estilo rompedor es la silla Favela (1990), que se inspira en la favela Rocinha de Río de Janeiro, una creación realizada con pequeños trozos de madera unidos de manera desordenada, caótica. Mesas de acero, lámparas de bambú, objetos decorativos fabricados con finos cilindros de metal.

En los años 2004/2005 desarrollaron la serie Grenden Fashion, un amplio abanico de objetos, desde sillas hasta zapatos, cuyo material era únicamente tubos de pvc. Han realizado numerosas exposiciones en Brasil. Sus obras se encuentran en los grandes museos internacionales.

Originarios de Brasil, los hermanos Campana puede que sean los diseñadores latinoamericanos más reconocidos del mundo. Destacan por sus diseños sumamente especializados en sillas. Sentarse es un lujo exclusivo. Algunas de sus creaciones alcanzan los 75,000 dólares en el mercado. Estos asientos no renuncian a la creatividad más asombrosa y sorprendente. Los hermanos Campana pueden construir una silla a partir de osos panda de peluche (silla Banquete), o uniendo muñecas de algodón en una estructura de acero inoxidable (silla Multidao).

Humberto y Fernando Campana: su sillas representan un lujo exclusivo
Humberto y Fernando Campana: su sillas representan un lujo exclusivo

 

Fernando es arquitecto por la universidad de Arquitectura y Bellas Artes de Sao Paulo, mientras que Humberto estudió leyes en la universidad de la misma ciudad carioca. En el campo de la docencia ambos coincidieron como profesores durante el curso 1999/2000 en el MUBE (Museo Brasileño de Escultura de Sao Paulo). Gozan de gran prestigio. Estos hermanos son los únicos brasileños que pueden presumir de exhibir piezas con su sello en el Museo de Arte Moderno de Nueva York y en el Museo de Artes Decorativas de París.

Patricia URQUIOLA

Diseño vitalista y natural
(Oviedo, 1961)

 

 

En la Feria Internacional del Mueble de Milán 2013 presentó algunos diseños de sillas y sillones outdoor para la firma italiana B&B. Trabaja en su taller para numerosas empresas como Alessi, Mutina, Molteni, Gandiablasco (GAN), Kartell. La diseñadora española ha sido premiada con la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes del Ministerio de Cultura. Además, ha obtenido los premios Designer of the Year, Elle Decor International Design Awards, Chicago Athenaeum Good Design Award y el Design Prize de Colonia, la ciudad alemana. Su trabajo se ha exhibido en Holanda, Estados Unidos, Dinamarca, Finlandia... Su modelo de silla Fjord también se ha expuesto en el MoMA, el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

 

De nacionalidad española, Urquiola se distingue por ser una diseñadora de interiores. Hace una década ya figuraba en la lista elaborada por Forbes de los diseñadores top ten. Ha desarrollado ideas en todos los campos del diseño, siempre con audacia y sofisticación. Sillas, alfombras, pubs, sofás, recámaras y muebles de baño son algunas de sus especialidades. Una combinación sorprendente de tradición y creaciones originales. Tratamiento cuidadoso de los materiales, tapizados y refinada elegancia no exenta de sencillez. A veces reproduce en sus obras esquemas geométricos marcados.

 

Urquiola comenzó sus estudios de arquitectura en Madrid y finalizó la carrera en el Politécnico de Milán, donde actualmente reside y trabaja. Al inicio de su carrera en Italia a partir de los años noventa, trabaja con Vico Magistretti en De Padova. No sería sino hasta 2001 cuando crea su propio estudio en Milán. Su concepción de las formas va ligada a cierto sentido físico de la biología: ergonomía, ligereza, flexibilidad, tacto suave. Estructuras con un toque visual muy femenino. Su arquitectura va ligada a la ductilidad a la escultura. Investiga con modelos 3D para lograr estructuras dinámicas y en movimiento. Espacios transformables y adaptables a la medida humana.

 

Hella JONGERIUS

La belleza de los contrarios
(De Meern, 1963)

 

En Jongeriuslab crea sus propios proyectos para clientes como Maharam (New York), KLM (Países Bajos), Vitra (Basilea), IKEA (Suecia) y el Real Tichelaar Makkum (Holanda). Jongeirus es especialmente admirada en la Gran Manzana, su obra ha sido expuesta en museos y galerías de Nueva York, como el Museo Cooper Hewitt National Design (Nueva York), MoMA (Nueva York) y la galería Moss. Sus creaciones han llegado a los principales museo del mundo, como el Museo del Diseño (Londres) y la Galerie KREO (París).

 

Es una combinación creativa sin parangón. Sus diseños logran la relación perfecta de las herramientas tecnológicas con la singularidad que poseen los objetos artesanales únicos. La diseñadora holandesa Hella Jongerius estudió en la Academia de Diseño de Eindhoven y posteriormente se unió al famoso grupo de diseño holandés, Droog. Más tarde fundó en Rotterdam, en el año 2000 su propia firma, ,Jongeriuslab, donde comenzó con la producción de textiles, vajilla y muebles. Actualmente reside y trabaja en Berlín.

La sensibilidad estética se presenta como una relación de elementos opuestos: industria y artesanía, tradición y vanguardia, high tech y low tech.
La sensibilidad estética se presenta como una relación de elementos opuestos: industria y artesanía, tradición y vanguardia, high tech y low tech.

 

La sensibilidad estética de esta gran diseñadora se presenta como una relación de elementos opuestos: industria y artesanía, tradición y vanguardia, high tech y low tech. Hella es conocida por su destacada destreza para fusionar nuevos conceptos. Sus ideas apelan a la imaginación, más allá del diseño ceñido al patrón del confort o la utilidad. La laureada exposición Misfit (traducido como algo defectuoso, que desencaja) mostraba una serie de jarrones cuyas formas sintetizaban el diseño con la artesanía y el textil, piezas con destacada personalidad. La belleza adquiría mayor vistosidad y veracidad por la imperfección del trabajo manual. Como técnica innovadora en cerámica, la gran creadora de origen holandés ha empleado mayores temperaturas de cocción del material, forzando de este modo deformaciones sugerentes. Es una técnica que aplica para sus proyectos con la empresa centenaria de cerámica Tichelaar Makkum.

Sam HECHT &COLIN

El valor certero de un equipo humano
(Los Ángeles, 1970)

 

 

Versátiles e ingeniosos, esta pareja de británicos ha desarrollado ideas para los más diversos campos del diseño, desde utensilios domésticos hasta accesorios para computadoras. Para valorar su prestigio, podemos citar solo algunas de las firmas que apuestan por sus diseños en muebles, transporte y ropa: Design Museum, Louis Vuitton, Elephant & Coral, Wallpaper, Yamaha, Epson, Herman Miller, Hitachi, KitchenAid, LaCie, Mattiazzi. La marca Whirlpool les encargó una cocina. Crearon un singular radio para Muji. Ideas innovadoras, funcionalidad y simplicidad de las formas son características de sus creaciones.

Sam Hecht y Kim Colin: cradores de la firma Facility en el año 2002 con base en Londres
Sam Hecht y Kim Colin: cradores de la firma Facility en el año 2002 con base en Londres

 

Sam Hecht comenzó sus primeros estudios en Saint Martins School of Arts, intersándose por el diseño y la arquitectura. En 1993 completaría un Master en el Royal College of Art de Londres. Le siguió un fructífero periodo de trabajo durante tres años en California con IDEO y otros tres años en Tokio, donde colaboró activamente con Naoto Kukasawa. Por su parte, Kim Colin estudió historia del arte y arquitectura en el SCI-Arc (Instituto de Arquitectura de California). La pareja formada por ambos, Hecht y Colin, creó la firma Industrial Facility en el año 2002 en Londres. Es más que un estudio de diseño, se trata de un equipo de trabajo donde también se integran el japonés Ippei Matsumoto o el alemán Philipp Von Dintel. El estudio de Hecht y Colin diseña objetos para empresas internacionales que operan en todo el mundo. Los clientes valoran su contribución como el valor añadido del diseño al propio negocio, una defensa del concepto de marca.

Las más prestigiadas marcas valoran su contribución como valor añadido del diseño al propio negocio.
Las más prestigiadas marcas valoran su contribución como valor añadido del diseño al propio negocio.

 

Hecht y Colin han ejecutado programas de enseñanza en el Royal College of Art de Londres. Hecht ha sido profesor visitante en HfG Karlsruhe y en 2009 se convirtió en Diseñador Real para la Industria en el año 2008, galardón británico prestigioso. Industrial Facility recibió su cuarto SI Hanover Premio de Oro en 2012. Otros reconocimientos son Diseño de Mobiliario del Año, Design Museum de Londres (Branca) en 2011, Japón G-Mark (4 premios), IF German Gold Awards.

Erwan & Ronan BOUROULLEC

Talento multiplicado por dos
(Quimper, 1971)

 

 

En este momento el MuAC de México exhibe 435 dibujos y 520 imágenes de bocetos realizados por estos hermanos. Mobilidario, porcelana, joyas... Ronan y Erwan Bouroullec crean en el presente prototipos para numerosas firmas, como Vitra, Alessi, Kvadrat, Magis, Kartell, Established and Sons, Ligne Roset, Axor, Issey Miyake, Cappellini, Mattiazzi, Flos, Mutina, entre otras. Objetos muy útiles, pero también sumamente bellos. Sus propuestas comienzan a compararse con el gran mago francés, el gurú del diseño, Philippe Starck.

Erwan & Ronan Bouroullec: combinan el interiorismo con proyectos de arquitectura
Erwan & Ronan Bouroullec: combinan el interiorismo con proyectos de arquitectura

 

Ronan se graduó en la Escuela Superior de Artes Decorativas de París mientras que Erwan, el más joven, cursó sus estudios en la Escuela Nacional Superior de Artes de Cergy-Pontoise. Nacidos en la región de la Bretaña francesa, ambos trabajan en París conjuntamente desde 1999. Mantienen una actividad experimental que es esencial para el desarrollo de su trabajo en la galería Kreo de París, donde ya se realizaron cuatro exposiciones de sus diseños entre 2001 y 2012. También se embarcan en proyectos de arquitectura ocasionales, tales como la Casa flotante en 2006, las tiendas Camper en París, Copenhague y Roma (2009-2011), el restaurante del Hotel Montecarlo, Dos Palillos, en Berlín (2010) y las salas de exposición de Kvadrat en Estocolmo (2006) y Copenhague (2009).

Sus diseños mantienen una actividad experimental que es esencial para el desarrollo de su trabajo
Sus diseños mantienen una actividad experimental que es esencial para el desarrollo de su trabajo

 

Sus diseños se han mostrado en exposiciones realizadas por el Centro Pompidou y el Musée des Arts Décoratifs de París, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Art Institute de Chicago, el Museo de Londres, el Museo Boijmans van Beuningen de Rotterdam. Su silla construida de acero y madera obtuvo el Compasso d’Oro en 2011. Han recibido los galardones más preciados desde que comenzaron a trabajar juntos. Grand Prix du Design (París, 1998), el Premio del nuevo diseñador de la Feria Internacional del Mueble Contemporáneo (ICFF New York, 1999), el Finn-Juhl Premio (Copenhague, 2008), el Premio de Diseño de Dinamarca (Copenhague, 2010), el Diseñador del Año por Maison & Objet (París, 2011). Además, la colección Facett (Ligne Roset) y la silla de la oficina Worknest tanto ganó el premio “Best of the Best” Red Dot Design Award, respectivamente en 2005 y 2008; Interior Innovation Award 2013 por Vitra (Alemania).

Shai AGASSI

Ingeniería para un mundo verde
(Ramat Gan, 1968)

 

 

Idealista o soñador, Sha Agassi aspira a electrificar las carreteras de Israel, Dinamarca y algunas otras ciudades del mundo. Better Place lleva a cabo un plan muy ambicioso y extremo para liberar a varios países del consumo de petróleo en el año 2020. Un visionario, tildado como el Steve Jobs de la energía. Las empresas de taxi en Tokio y algunas empresas en Israel están desplegando miles de autos de Better Place por sus calles. Chery Auto Co., el principal fabricante independiente de autos en China, mantiene un acuerdo con Better Place para fabricar coches en serie con baterías que se puedan intercambiar.

Shai Agassi: Considerado por Time como una de las personas más influyentes del mundo a la edad de 36 años en 2003
Shai Agassi: Considerado por Time como una de las personas más influyentes del mundo a la edad de 36 años en 2003

 

Agassi vive actualmente en San Francisco. En el año 2003 la revista Time lo consideró una de las personas más influyentes del mundo. Tan solo contaba con 36 años. El pasado 2009 Time lo volvió a incluir entre las 100 personalidades más destacadas del año. Su reto es la ingeniería, el campo más ambicioso y complicado del diseño. Objetos y maquinaria cuya estética ha de complementarse satisfactoriamente con un alto desarrollo tecnológico y mecánico. De origen israelí, trabaja en el desarrollo de automóviles eléctricos y de estaciones que los abastezcan. Junto a la alianza de compañías automotrices Renault-Nissan, su empresa Better Place labora en un proyecto para llevar automóviles eléctricos a los segmentos populares.

Su trabajo abarca el desarrollo de automóviles eléctricos y de estaciones que los abastezcan
Su trabajo abarca el desarrollo de automóviles eléctricos y de estaciones que los abastezcan

 

Energía verde, la guerra declarada al uso del petróleo y otras fuentes de energía contaminantes. Agassi es CEO y fundador de la empresa Better Place. Shai Agassi fue presidente de SAP, una empresa del sector tecnológico muy poderosa. Abandonó su puesto y, desde el año 2007, sus esfuerzos se concentran en el aprovechamiento de las energías renovables y el transporte ecológico. El auto eléctrico y el sistema de abastecimiento en estaciones eficientes es el gran proyecto que lleva a cabo en la actualidad. Se empeña en que, a corto y medio plazo, este vehículo movido por energía limpia sea un objeto de consumo generalizado, un sistema de transporte empleado por la clase social media.

Dieter RAMS

El eterno funcionalismo
(Wiesbaden, 1932)

 

 

La concepción estética del diseño aplicada a los productos de consumo de la sociedad de masas. Es conocido popularmente por sus trabajos en la firma de productos eléctricos Braun, en la entraría en 1955 y finalmente abandonaría en 1997. Racionalismo y funcionalismo alemán en estado puro. Televisiones, radios, calculadoras, electrodomésticos, proyector de diapositivas, cafeteras, mobiliario de oficina... Hombre discreto y honesto que inspiró las formas minimalistas de Appel bajo ciertas dosis de filosofía zen. Jonathan Ive ha reconocido públicamente la clara influencia de Rams.

 

Si observáramos con detenimiento, podríamos encontrar su huella en cada uno de nuestros hogares. Más de 500 diseños y los cincuenta años de vida profesional Rams. Es todo un referente, una figura ilustre que marcó época, cuyo decálogo es fuente inspiradora para muchos diseñadores. Diseña con sentido, “menos pero mejor” es su famoso lema. Los trabajos del alemán Dieter Rams encuentran inspiración originaria en los trabajos de su abuelo carpintero. Rams se convirtió en un protegido de la Escuela de Diseño de Ulm (sucesora de la Bauhaus), junto a cabezas ilustres como Hans Gugelot, Fritz Eichler y Otl Aicher.

La concepción estética del diseño aplicada a los productos de consumo de la sociedad de masas. Es conocido popularmente por sus trabajos en la firma de productos eléctricos Braun, en la entraría en 1955 y finalmente abandonaría en 1997. Racionalismo y funcionalismo alemán en estado puro. Televisiones, radios, calculadoras, electrodomésticos, proyector de diapositivas, cafeteras, mobiliario de oficina... Hombre discreto y honesto que inspiró las formas minimalistas de Appel bajo ciertas dosis de filosofía zen. Jonathan Ive ha reconocido públicamente la clara influencia de Rams.

 

Está convencido de que el mejor diseño sólo se puede alcanzar a partir del trabajo en cooperación, un buen equipo humano en el departamento de diseño de las empresas. A pesar de su edad, continúa todavía en activo, realizando algunos trabajados para Vitsoe. Este respetado y veterano diseñador industrial lleva recibiendo premios desde la década de los 60 del siglo pasado. En la última época, recibió en el 2003 el Design Award ONDI (Cuba) por su especial contribución a la industrial del diseño y cultura mundial en el año 2003; galardonado con el premio del diseño de la República Federal de Alemania por su trayectoria profesional en el 2007, cuando también obtuvo el premio Lucky Strike por la Fundación Raymond Loewy.

Naoto FUKASAWA

Las brillantes intuiciones de un genio
(Yamanashi, 1956)

 

 

El CD Muji, de su autoría, se encuentra en la colección permanente del MoMa de Nueva York. El creador japonés suma más de 50 premios en América y Europa. Mejor Diseñador del Año en el Salón del Mueble de Milán en 2007 por Elle Decoration International Design Award; Premio de Oro de América IDEA; Gold Award en Alemania; D & AD Gold Award;  el premio de diseño Mainichi; 5 º Premio Oribe. Fukasawa es profesor en Musashino Art University y profesor visitante en la Tama Art University. Es autor de algunos libros en la materia, como “Un esquema de diseño” (Toto). Es uno de los codirectores del 21_21 Design Sight, el museo del diseño de Tokio. Bloomberg Businessweek lo considera uno de los diseñadores más influyentes del mundo.

 

El valor esencial de los objetos, la brillantez del espíritu innovador japonés. Sencillez y fácil empleo. Mobiliarios, relojes, envases para bebidas, aparatos electrónicos, reproductores de música, accesorios, diseño de moda, celulares... Propuestas para Hitachi, Muji, NEC, Nike, Toshiba, etc. Naoto Fukasawa se graduó en la Escuela de Arte Tama. Desarrolla sus trabajos en campos del diseño muy amplios. Posee una concepción integral de su labor profesional, busca las huellas del otro lado de la condición humana, el subconscientes, lo que denomina “sin pensar”.

Futasawa formó parte en los años ochenta, trabajó en el departamento  de diseño de la empresa Seiko-Epson. Tras abandonar Japón en 1989, entró a formar parte de IDEO en San Francisco. Finalmente regresó a Tokio en 2003 para trabajar como creador independiente, colaborando con diversas firmas y asesorando a múltiples empresas japonesas y de Italia, Alemania, España, Suiza, así como empresas de los países asiáticos y escandinavos. Como profesor, lleva a cabo labores de docencia en la Escuela de Tama y en el departamento de diseño de la Universidad de Arte Musashino en Tokio. 


Texto Leslie López

Foto: ARQ, IMGUR, IMAMUSEUM, DESIGN APLAUSE, DIXIGNER